KAZUO YOSHIDA



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"JAPAN TIMES" Aug 21, 2014
Artists expand photography and film conventions into a new language


At a time when popular culture is fed both mesmerizing and disturbing imagery, it often carries with it a sense of terror,
while alluding to the possibility of something disturbingly sublime. What makes that something “ sublime, ” however,
evades easy definition.

“ Expanded Retina #2 ” at g3 Gallery (Tolot / Heuristic Shinonome) explores this contradiction and more, with an installation
of film, photography and ephemera that stutters between being uncomfortable, unsettling and strikingly captivating.

In the woods surrounding Mount Fuji, Daisuke Yokota and Kazuo Yoshida, members of the artist group MP1, photograph
each other at night with only flashguns providing illumination. They capture the outlines of each other's bodies and the
close proximity of their alpine landscape. For MP1, the tension between terror (of photographic realism) and the
sublime (the artists ' experience and impression) is what makes “ Expanded Retina #2 ” so provocative.

During America's struggle for independence, political thinker Edmund Burke thought the line between terror and sublime
was “ authoritarian ” - you submit to the power of authority because its terrifying. Philosopher Immanuel Kant, on the
other hand, thought that tension involved identity, self-discovery and inner freedom - not oppression. All this is visible
in both Yokota and Yoshida's work, yet the images seem to cement the emotional and analytical elements that terror
and sublime separately enjoy, in ways that engage as much as they distract.

Together, the two-channel video and photographs form a self-portrait of sorts. Yokota and Yoshida capture fragments
of their bodies as they evade each other's camera. There are no Lynchian “ Black ” or “ White Lodges ” here, but the
forest surrounding Mount Fuji is full of its own dark symbolism. The darkness helps to further their detachment from the
city and eliminate detail from images of each other, turning this photographic process into a filmic performance replayed in
the controlled space of a gallery.

Unto itself, the exhibition is every bit the experience it professes to be. The video, accompanied by equipment they took into
the woods and discarded material from the shows construction, stands in good company. Filmmaker and musician
Tony Conrad's “ The Flicker ” (1966) contains just 6 key frames and its the opening warning frame, written here on gallery
door, that prepares you prior to your entrance through the black curtain.

With Conrad, film slowly evolves before the viewer. His series “ Yellow Movies ” (1973), painting “ performances ” that
gradually change over time, was made by restricting the exposure of square sheets of photographic paper with
industrial black paint.

This exploration, now shared with Yokota and Yoshida, rejects photography and film as a way to simply portray realism.
Where previously they sampled, distressed and cut images together like music, they now analytically group together images,
objects, material and sound. Experiencing both terror and the sublime and their delicate balance, is consciously encouraged.

Viewed repeatedly, the exhibition reveals new combinations of sound and image. Patience is necessary, but
it's well worth it - to quote Conrad's welcoming warning message: “ a physician ” should probably “ be in attendance. ”


Stuart Munro






8 August - 30 August, 2014
MP1 / Expanded Retina #2 (Tokyo, G/P + g3/ gallery)



Strobe lighting is typically perceived as a means to momentarily expand the field of vision when ones vision is limited.
One could hardly call this unnatural lighting aesthetically pleasing; instead it carries about an aura that is almost unsettling,
disturbing. When perceived in a different light, however, strobe lighting can be said to be a tool that exposes things
as they simply are, stripped of their detailed textures, and forces them into our vision. It is therefore also a tool that allows us
to see a world made solely of minimal forms and outlines, a world that is impossible to see with our regular vision.
Daisuke Yokota and Kazuo Yoshida experimented with this concept, creating an environment using only strobe lighting and
eliminating all natural light. Their devices capture mostly darkness; however, emerging from the strobe lighting are fragmentary
images that appear and disappear irregularly. This image is the very instant in which light and dark come together in our field of vision.


Futoshi Hoshino (Aesthetics / Studies of Culture & Representation)




2014年8月8日(金) - 8月30日(土)
MP1 / 拡張される網膜 #2 (東京、G/P + g3/ gallery)



暗闇の中で明滅するストロボは、通常、ある限定された状況下で一定の視界を獲得するための補助的な手段とみなされている。
そして、その不自然な光によって定着された写真は、およそ美的とは言いがたい不穏な気配のみをただひたすら漂わせる。
だがある見方において、ストロボは目の前の対象がもつ繊細なテクスチュアのいっさいを剥ぎ取り、それを強制的に可視性のもとへと
さらす一種の変換装置であるとも言えるだろう。それは、私たちの通常の視覚によってはアクセス不可能な、外界のミニマルな輪郭を
抽出するものである。横田大輔と吉田和生は、完全に自然光を欠いた環境のもとで、この光の明滅による実験を行なった。
それぞれの装置が映し出すのはあたり一面の暗闇であるが、互いの発するストロボの光によって、そこには断片的なイメージが不規則に
現われては立ち消える。そこに映し出されるのは、私たちの可視性が網膜上に立ち現れる、光と闇の衝突の瞬間そのものである。


星野太(美学/表象文化論)






"IMA" magazine 2013 Autumn Vol.5


It might be fair to say that Kazuo Yoshida is the most "contemporary" photographer featured here. Of course his work is
by far the most digital in this volume, but I think what makes Yoshida "contemporary" is that his work points out the limits
of the medium.

In the case of this series, "Air Blue," Yoshida set out to represent the Aokigahara forest, which is famous for a few different
reasons: its natural beauty as a virgin forest near the base Mt, Fuji its reputation as a popular spot for suicides, and its
proximity to a training ground for the Japan Self-Defense Forces. Recognizing the limits of photography to actually
convey these qualities, Yoshida attempted to capture the presence of the forest by stitching together a great number of
images, using the blue color of the sky as a guide.

Recently, some questions have been raised about whether this kind of self-reflective photography is productive:
shouldn't photographers return to photograph what's directly in front of them? I imagine Yoshida might respond to such a
question by saving that he is, in his own way, doing just that.


Dan Abbe ( PH )






2013年10月15日号
artscape レビュー http://artscape.jp/report/review/10092801_1735.html



吉田和生は1982年、兵庫県生まれ。2004年に滋賀県立大学人間文化学部卒業後、グループ展などを積極的に組織し、
「群馬青年ビエンナーレ2012」では大賞を受賞するなど、意欲的な活動を展開してきたのだが、やや意外なことに今回の東京・原宿の
hpgrp GALLERY TOKYOでの展示が初個展になるのだという。
彼の仕事は、身の回りの光景や東日本大震災の被災地などを撮影した時代性、社会性がやや強い作品と、より抽象度が大きい
デジタル処理による構成的な作品に大別されるが、今回の「TB」展は後者に大きく傾いている。「Sky Scape」「Sheet Scape」など、
タイトルに「Scape(風景)」という言葉は入っているが、現実の風景ではなく、画像にノイズを入れたり、スキャニングの過程で紙を
動かしたり、インクをはじく透明シートにプリントアウトしてドット状のパターンを作ったりして、とても込み入ったデジタル的な「Scape」を
形成していく。そうやって出来上がった画面が、ある種の「自然」の一部を思わせる形状、構造を備えているように見えてくるのが面白い。
「Sky Scape」のシリーズは、画面がちょうど2分割されていて、あたかも空、水平線、海のようでもある。これは明らかに、杉本博司の
よく知られた作品「Seascapes」への軽やかで的確な批評だろう。
この世代から、写真に対する新たな思考と実践が芽生えてこないかと、以前から期待していたのだが、吉田がその有力なひとり
であることが、今回の個展で証明されたのではないかと思う。


飯沢耕太郎 (写真評論家)






30 August - 23 September, 2013
Exhibition "TB" (hpgrp GALLERY TOKYO) statement


The computer I am currently using is extremely heavy. By “heavy” I am referring not to its physical volume, but the
slowness of its performance. Today, the computer is used based on the premise that it can exchange data and connect with
external devices via various networks. This means that compatibility with an ever-evolving exterior is imposed on
computer users. The relation between the personal computer’s “personal” element and its exterior are therefore inextricably
linked to any discussion of its value.

Since the 2000s, the homogenization of personal computers has created a formula equating performance, numerical value,
and monetary value. To prolong “ his ” life, I plan to purchase 2TB (tera byte) or approximately \10,000 worth of HDD.
This is the current worth of “ tera.” “Tera” is a prefix used in the International System of Units and denotes a factor of 1012.
It is derived from the Ancient Greek “teras” meaning “ monster”. “ Giga, ” which denotes a factor of 109, is derived from
the Ancient Greek “gigas” meaning “giant.” “ Mega, ” which denotes 106, is derived from the Ancient Greek “megas”
meaning “great.” Since ancient times, the term “giants” has denoted creatures that are anywhere from twice the size of
humans to monsters that are as tall as the sky. “Monsters” therefore, are malleable.

We are continually troubled by the perennial drive to escape the scale of our thoughts and emotions as prescribed
by our bodily forms. With our sluggish bodies, what we need to do is not attempt to defeat this ever-expanding creature,
which travels fasterthan light, but rather to turn ourselves into Leviathans and follow our fundamental beliefs and
evaluate this “terra” or world with some interest.


Kazuo Yoshida




2013年8月30日(金) - 9月23日(月)
Exhibition "TB" (hpgrp GALLERY TOKYO) statement



いま私が使っているパソコンは非常に重い。この「重さ」は、もちろん物体としての質量のことではなく、その動作の「重さ」のことである。
当然のことながら、パソコンそのものが感情的な理由でその動きを遅くしているわけではない。要因は二つある。ひとつはパソコンの
処理能力の低下――データや常駐プログラムによるCPU・メモリ・ストレージの消費、OSの不具合、本体の劣化など。
そしてもうひとつは周辺環境の変化である。今日のパソコンは、ネットワークを経由してデータをやり取りし、外部機器と接続・共有
されることを前提として使用されている。これは、進化を続ける外部への適応能力(互換性)を更新し続けていくことが使用者に
課せられるということだ。つまりパソコンの「パーソナル」な側面と、外部との関係性はその価値(value)を語るうえで不可分なのである。

2000年代以降、パソコンの均質化によって、その市場では性能=数値=価値という等号があらわになる。
企業間競争の恩恵に与った我々にとって、一昔前と比べるとそれは冗談のように「お手軽」なものとなった。私は取り急ぎ「彼」の
延命のため、2TB(Tera Byte)――約1万円のHDDの購入を図る。これが現在のテラの価値(worth)である。
テラ(tera)とは国際単位系における接頭辞のひとつで、基礎となる単位の一兆倍の量であることを示す。その語源はギリシャ語で
「怪物」、ひとつ下の単位であるギガ(giga)は「巨人」、さらにその下のメガ(mega)は「大きい」という言葉に由来する。古来より巨人とは、
人間の倍ほどの大きさから雲を衝くまでの巨体の怪物とされる。つまり「怪物」とは、可変的な存在なのである。

我々にとって、自己を規定する身体が浮き彫りにする思考・感情のスケールから逃れることは古来より変わらず困難なことである。
かつての恐れを克服するための技術は、その克服そのものが恐れとなるというパラドックスを明らかにしている。いま、この鈍重な身体を
もって成し得ることは、光速を超え、膨張し続ける怪物を「再び」組み伏すことではなく、みずからを「リヴァイアサン」化し、各人の胸中
に生きる根本原理に従い、多少の趣味をもって、この世界(terra)を評価することではないか。


吉田和生






2012年7月7日 - 8月26日
群馬青年ビエンナーレ2012 (群馬県立近代美術館) 審査評より 



既視感を拭い去れない絵画、説明過剰のインスタレーション、プランの実現に至らない装置型作品が多い中、
写真の記録性・集積性と、絵画の造形性・空間性が交錯する本作が除々に評価を上げ大賞に浮上した。
遠目からは抽象絵画のように見えるが、近づくと写真であることがわかる。また、樹木などの緻密さから、撮影時の構図と
完成作品の構図が一致せず、複数の写真画像が一枚のイメージに集約されていることも判明する。撮影場所の選択には、
作者の個人的な動機と、時代性・社会性の 双方が反映されているが、作者がカメラを向けて繰り返し撮影するのは、
空、雲、森、樹木、木漏れ日などである。

細部を凝視しながら複数の瞬間を走査する視覚の動きと、画面全体を絵画的にとらえて色彩・構図・空間を統合的に把握する
知覚の働きが、常に反転しながらせめぎあっている。視覚芸術の今日的な可能性の提示として、高く評価したい。 


梅津 元 (埼玉県立近代美術館主任学芸員)






2012年7月7日 - 8月26日
群馬青年ビエンナーレ2012 (群馬県立近代美術館) 審査評より 



審査会場にて絵画郡の中に配置されていた本作は、一見、抽象絵画と見紛う画面の美しさにハッとした。その後、
モチーフへと関心を移して注視してみると、木漏れ日の画像が重層した写真作品だと判明する。
そして “ 何処の?なぜ?空の集積なのか " といった主題が気になり、改めて、作者のステイトメントを読んでみると、
「私は2010年より、戦争という外交手段を放棄した国ーー日本が抱える軍事問題への関心から、
そのアイコンであるーー陸上自衛隊が踏破訓練を行っている富士の原生林を訪れ、" Air Blue " の制作を開始した。」とあった。
また、この場所は、国の天然記念物に指定された観光地である一方で自殺の名所、といった複数の文脈から成る混沌の地でもあり、
更に吉田の関心事項は、" 3.11 " の事態と、その後に向き合う “ 私たち ” の価値観の臨界点にも言及していた。
本作は、絵画的写真表現としての評価とともに、社会的なメッセージを伝える美術作品のメディア性も含んだ、
“今年” のビエンナーレの象徴として最も相応しい逸作として、大賞に選出した。 


木ノ下 智恵子 (大阪大学コミュニケーションデザイン・センター特任准教授)






2012年7月12日 - 8月29日
吉田和生 / Air Blue (東京 , IOSSELLIANI)



「事後のブルー 」

写真は今、写真史の第2ステージへの移行期にある。被写体を記録し、「真実を写す」という第1ステージの歴史をへて、
「デジタル化」と「コンテンポラリーアートとしての写真」という2つが大きな動因となって、それまでの写真表現と異なる「可能性」が
噴出する最もエキサイティングな領域となった。そして同時に写真が、時代の流動性を最も反映するアートであることも写真の重要
を押し上げる理由だ。 吉田和生の作品「ブルー」は、「3.11以降」という時代性をおびた、最も注目すべき「作品」である。東日本
大震災と、福島第一原発事故による放射能汚染がもたらした、大きな時代の「切断感」「喪失感」は、「事件」が発生した
当初以上に「事後」においてますます増大して行くだろう。すべての日常の物が、「あの日」を境に、
「別の意味」をおびる。「同じ」なのに「同じ」でない。「事件」がもたらした「問い」は、政治・思想・生活・文化すべての領域に
およんでいくのである。多くの写真家・アーティストが、その課題を解くべく、今も表現を模索している。

吉田和生は、「複雑さと純化」が同居した傑作をものにした。「ブルー」を傑作とあえて言うのは、自然や森のアニミズム。拡散する
放射能。「ここ」と「そこ」。事前と事後。死と生。それらの「複雑さ」を、ミックスさせつつ、万物の頭上にある空のブルーへと純化
せしめることを発見・発明したからだ。吉田の作品のもつ宗教的なまでの美しさは、「ここ」の森や、汚染された「そこ」の森の、1,000枚
以上の森のイメージが合成され、生みだされている。これは「3.11以降の世界」における「美」のあり様の最初の例となるだろう。

僕は、吉田和生の「ブルー」の作品だけが展示されたシンプルで小さな空間を想像する。それは3.11以降の最初の瞑想空間に
なるだろう。「アブストラクト」は、西欧の神のアイコンの解体過程であったが、究極的に、そこから生まれた最良のものが、
マーク・ロスコのチャペルであり、ジェームス・タレルの空であり、もう一つあげるならば、エイズによる免疫不全という死へと向かう中で
デレク・ジャーマンが監督した映画『ブルー』であった。それらは皆、「複雑さと純化」を兼ね備えた神なき時代の宗教芸術なのだ。

吉田和生のブルーは、これらの先行表現につながるものと言ってよい。写真の第2ステージへの移行期という
カオティックな中で、吉田和生がこの作品を生みだしたことは心から賛辞を送りたい。そして同時に、吉田和生にこの作品を見事に
仕上げてもらいたいと心から願う。「事後のブルー」、これはまちがいなく、実に重要な作品となるだろう。


後藤繁雄 (編集者/クリエイティブ・ディレクター)






2012年2月15日号
artscape レビュー http://artscape.jp/report/review/10021629_1735.html



MP1は、エグチマサル、藤本涼、横田大輔、吉田和生という1982〜84年生まれの4人の写真家たちと、批評家の星野太による
グループ。2011年秋に横浜トリエンナーレの関連企画として、横浜・新港ピアで開催された「新・港村」で「拡張される網膜」展を
開催して本格的に始動した。2012年は本展をはじめとして、都内のいくつかのギャラリーやウェブ上で複数のプロジェクトを進行する
予定だという。

正直言って、作風、経歴にそれほど重なり合うところのない彼らが、グループとして活動していく強い理由を見出すのは難かしい。
ただ、写真家たちによる自主運営ギャラリーの活動もそうなのだが、異質な要素が触媒的に働くことで、メンバーの作品が思わぬ
方向に伸び広がっていくということは大いに期待できる。例えば今回の展示では、かなり過剰に「表現主義」的な傾きが強かった
エグチマサルの写真+ドローイング作品が、すっきりとしたミニマルな雰囲気の画面に変質していた。反対に吉田和生は、被写体の
エレメンツをしつこく反覆・増殖していく傾向を強めている。このような化学反応を、むしろ積極的に触発していってほしいものだ。
そこから星野の言う「写実的な外界の痕跡でもなければ、表現主義的な内面の吐露でもない」、ちょうどその中間領域とでも
言うべき「網膜」の表層性に徹底してこだわる、彼らのスタイルが模索されていくのではないだろうか。

なお、展示にあわせて500部限定のコンセプト・ブック『Expanded Retina|拡張される網膜』(BAMBA BOOKS)が刊行されている。
きっちりと編集されたクオリティの高い作品集だ。


飯沢耕太郎 (写真評論家)






2011年12月1日発行
REVIEW MP1 「拡張される網膜」展 (美術出版社 , 美術手帖)



「既視の再生」 

「MP1」とはエグチマサル、藤本涼、横田大輔、吉田和生によるプロジェクトの名称である。企画立案者の星野太も指摘しているが、
彼らの作品は、いわゆる「ストレート」な写真とは異質な、絵画的かつ人為性の強いものだ。ウェブ上の展覧会シリーズと平行して
横浜の新港ピアで開催されたグループ展が「拡張される網膜」を主題としていることからも推測されるように、それらの写真では、
視覚的な諸効果(残像、ホワイトアウト、モアレ、アレ、対象と色彩の乖離・・・)の強調によって、写真というメディアに
固有の具体性が絵画的(美術的)な抽象性へと展開されているように感じられる。彼らの写真が写真というよりもむしろ「画像」的
ですらあるのは、映像に操作・変形を加えようとする「美術家」としての表明にほかならない。そのため、つくりだされるのは写真の
作品ではなく支持体が写真である作品なのである。そのような特質は、描画と写真(撮影やスキャン)を併用し、"photograph"の
原義である光による描画=光画へと立ち戻ろうとするエグチマサルや、くしゃくしゃに折り曲げた印画紙を拡げ、再撮影する
横田大輔らの作品にみられる。

ゆえにこれらの写真では、写真の「仮象」性がさらに増幅される。それはたとえば絵画作品が、
「行為」の所在を痕跡=物質的指標によって示すこととは明らかに異なる。MP1の写真では作家の行為が物質的に前景化する
ことはなく(写真であるがゆえに)全体がなめらかなトーンとして統合されていくからだ。本来対象と一体化したものである色彩を
光の情報に変換する藤本涼と吉田和生の写真も同様に、色=光を対象から乖離した霧や煙のような非実態的なものとして
画面に充満させ、写された光景を茫然とした遠方へと後退させる。

彼らの作品が「網膜的」と形容されるのは、すべてを光学的現象に還元する写真の特性と、それにともなう物質性の抹消に依る。
写真的効果は、 物理的直接性や色と対象との一致を消失させ、なめらかな表面の統合に働きかけるだろう。これらの作品に
おいて網膜的な作品享受が強いられることは、観者が、先行する対象物や作家の操作・変形に対して、光学的な現象・印象を
通してしか近づくことができないこと、すなわち光学的に「遅れる」ことでもある。MP1の写真が採用する膜のかかったような効果は、
観者と写された光景とのそんな隔たりの表現でもあるのだろうか。ゆえに、観者の網膜が辿り直すのは、すでに写された=見られた
光景を再び見るということ、いわば「既視」を再生するということなのだ。

彼らの写真が、ときに過度なノスタルジーを演出してしまうのは、写真メディウムに固有のものでもあるそのような空間的・時間的な
隔たりが写真一般の特性でもあるがゆえに、彼らは反=写真的な絵画性を希求するのかもしれない。そこでなお、
写真的ナルシシズムに淫することのない反=写真性が志向されるのであれば、よりいっそう過激な、観る者を突き放すような
冷めた既視感の獲得が目指されるべきである。


沢山遼 (美術批評)






21 January - 5 Feburuary, 2012
MP1 / Expanded Retina (Tokyo, G/P gallery)


"Defense of Medium"

MP1 is a group of four artists: Masaru Eguchi, Ryo Fujimoto, Daisuke Yokota, and Kazuo Yoshida.
In fall 2011, they held an inaugural exhibition titled “Expanded Retina” at Shinko Pier in Yokohama,
as part of the Yokohama Triennale 2011. They are now preparing a forthcoming exhibition and
other projects in Tokyo.

In their work, you can find the metaphor of the retina, and of the photograph as its expanded field. Confronted with this
image, you might ask yourself what the essence of the retina is. For human beings, the retina is the essential organ of
sight?it is, necessarily, always in between us and the world, enabling our vision to connect us to it. When we see something,
the retina functions as a membrane of contact between the body and the world. The world remains outside, while the visual
system is in charge of bringing visual information into the body and analyzing it there. The retina, which is indispensable for
producing visual images, is also the organ that mediates between the world and the nervous system. In other words, the retina
is the “medium” of the visual process, the most fundamental of visual media.

This fact is often forgotten in the visual arts, where we often presuppose a dichotomy of impression and expression or
realism and expressionism. This dichotomy can be upheld only when you misunderstand the retina as a transparent medium.
Eguchi, Fujimoto, Yokota, and Yoshida reject this simplification and resist it in unique ways. In their work, you will not find
the pictorial trace of the world, nor the emotional expression of the artist. Their pictures represent the complexity of the world
by keeping their distance from “straight photography.” They reflect on the impurity of the retina as a visual medium.
This is why their work can be conceived as an “expanded” retina?the essential medium for experiencing the world.


Futoshi Hoshino (aesthetics / study of culture and representation)




2012年1月21日(土)-2月5日(日)
MP1 / 拡張される網膜 (東京、G/P gallery)



「媒介の擁護」

MP1は、エグチマサル、藤本涼、横田大輔、吉田和生の四名の作家によって構成される展示プロジェクトの名称である。
2011年秋に横浜・新港ピアで開催された「拡張される網膜」を皮切りに、現在も東京都内のギャラリーやウェブ上で
複数のプロジェクトが進行している。

彼らの作品が前景に引き出すのは、外界との接触面としての網膜と、その拡張された平面としての写真の姿である。
しかしそもそも網膜と は何か。それは人間の視覚にとって不可欠な、しかし同時にあくまでも中間的なものにとどまる器質である。
一般に生物がものを見るとき、網膜はその身体と外 界をつなぐ接触面をなしている。網膜の外側には茫漠とした世界があり、
その内側には大脳皮質をはじめとする視覚情報のコード化を担うシステムがある。われわれが視覚的イメージを形成するために
不可欠な網膜は、同時に外界と神経を媒介する(メディエイト)ための経路でもある。言いかえれば、あらゆる視覚的経験の
中間(メディウム)に位置する網膜は、同時にその不可欠な媒質(メディウム)でもあるのだ。言わばそれは極めつけの「メディア」である。

印象(impression)と表現(expression)のいずれかに重きを置くすべての思考は、実のところ、こうした中間的媒 質としての網膜を
透明な存在とみなすことによって成立している。エグチ、藤本、横田、吉田の作品が、周到に計算されていながらもあくまで
受け手に爽快な印 象をもたらすのは、彼らの作品がみなこうした素朴な二元論から手を切っているからである。彼らの写真作品に
映し出されているのは、写実主義的な外界の痕跡 でもなければ、表現主義的な内面の吐露でもない。「ストレート」な写真からは
明確に距離をとる彼らの写真は、逆説的にもわれわれが世界を目にするときの複 雑さを驚くべき精度によって再現する。
つまり、ある意味でそれは、われわれの視覚的経験を成立せしめる不純な媒介としての網膜の拡張された姿なのである。 彼らの
作品が映し出すのは、生物が世界を経験するためのメディアとしての、拡張された「網膜」の姿にほかならない。


星野 太 (美学/表象文化論)






2010年6月20日
評論家が選ぶ注目の新人アーティスト19 (生活の友社発行、美術の窓)



「“網膜派”の新たな可能性」

吉田和生は、滋賀県立大学卒業後に写真作品を発表しはじめ、ミオ写真奨励賞に入選するなど、
頭角をあらわしてきた写真作家だ。2010年3月ー4月に開催された第2回写真「1_WALL」展では最終審査まで残り、
惜しくもグランプリは逃したものの、その果敢な実験精神あふれる作品が強い印象を残した。

彼の写真に写っている風景や人物は極端にブレたりボケたりしており、時にはほとんどなにが写っているのかわからないほどの光と色の
パターンとして提示される。このような現実の手触りや物質感をほとんど欠いた、浮遊するイメージ郡だけで構成された作品の傾向を、
僕は「網膜派」と呼んでいる。網膜の表層に映り込んでくる微かな刺激だけを信じて、そこに写真の可能性を託そうとするような
デジタル化以降の表現スタイルが、若い写真家たちによって少しづつ形をとろうとしているように思えるのだ。吉田にはその「網膜派」の
先端部分を切り拓いていくことを期待したい。


飯沢耕太郎 (写真評論家)





(c)Kazuo Yoshida